“ La historia del arte ” EH Gombrich

La historia del arte Introducción :

“No existe el arte, solo existen los artistas”.

Cuando miramos las obras de un artista, a veces nos perjudican los malos recuerdos, nuestro tiempo y lugar, cómo vemos el mundo, lo que consideramos “realidad”. Otras cosas que debemos tener en cuenta al tratar de apreciar las obras del artista son: el artista muy probablemente tuvo sus razones para cambiar lo que veía en la “realidad” y representarla de otra manera. No debemos condenar una obra por estar mal dibujada.

El consejo de Sócrates de acercarse a él como a un extraño también es aplicable para el disfrute de las grandes obras de arte. Debemos desechar nuestros prejuicios y hábitos y acercarnos a los artistas como extraños. Deberíamos tratar de entender lo que querían hacer mientras elaboraban sus pinturas. Todos están tratando de hacer las cosas "bien" y perfectas a su manera, que es algo que no tiene reglas, es lo correcto. “mira una imagen con ojos nuevos y aventúrate en un viaje de descubrimiento”.

El capítulo de la historia del arte

Capítulo 1: Comienzos extraños

Los primitivos, es decir, las personas más cercanas a nuestro primer estado como seres humanos con sus muy pocas herramientas y división del trabajo eran capaces de pintar y esculpir. Pero esto no es lo que importa en la historia del arte , no es una historia de destreza técnica, basada en las herramientas y capacidades de las mentes y formas de vivir de estas personas. Es más bien una historia de ideas y requisitos cambiantes. Como las ideas de que los animales tienen alma y nuestra conexión con ellos que sentían los primitivos. Las ideas de hechicería y vudú estaban muy presentes en la época y así se asemeja en el arte de las cavernas y aztecas y afrikáners.

Capítulo 2: Arte para la eternidad

Incluso si realmente no nos damos cuenta o pensamos en ello, estamos influenciados por los egipcios porque los griegos fueron influenciados por ellos y se dice que somos influenciados por estos últimos. Los egipcios combinaron la geometría y la aguda observación de la naturaleza en sus obras de arte. Durante muchos años fueron muchas las reglas que imperaron en toda obra de arte: “todo tenía que ser representado desde su ángulo más característico”, por eso cierto arte egipcio se ve raro. Los cuerpos humanos tenían una combinación de ángulos para las diferentes partes del mismo. No fue hasta el comienzo de la Dinastía XVIII que se cambiaron las reglas y comenzaron a surgir otros tipos de arte. Esto no duró mucho, y los faraones que vinieron después restauraron las antiguas leyes en el arte.

Capítulo 3: El gran despertar

Este capítulo trata sobre el arte griego que evolucionó antes del siglo V a. C. Aunque los artistas de la época estudiaban y seguían algunas de las reglas y el arte de los egipcios, el arte de esta época fue “construido por seres humanos y para seres humanos”. seres”. Los artistas griegos buscaron nuevas ideas y formas de representar la figura humana. Por ejemplo, de sus pinturas en un jarrón se muestra un pie visto de frente. Los griegos no incluían todo en su forma más visible, pero empezaron a tener en cuenta el ángulo desde el que se ve el objeto.

Grecia se dividió en ciudades-estado y Atenas en Ática fue la más famosa e importante en la historia del arte. La gran revolución en el arte llegó con el mayor comienzo de la ciencia y la filosofía en la historia de la humanidad. Aún así, la gente rezaba frente a las esculturas, se preguntaban si los dioses realmente vivían dentro de ellas, se les traían sacrificios. Estas eran partes realmente importantes de la vida cotidiana de los griegos. Por eso le dieron tanta importancia al conocimiento de la forma y lograron un equilibrio entre seguir las reglas (estilo egipcio) y liberarse de ellas. Al hacerlo, sus obras también lograron una maravillosa simplicidad, belleza y armonía.

Capítulo 4: El reino de la belleza

Después del siglo V aC, el artista tomó conciencia de su poder y maestría. El resto de la población también se interesó por el arte por sí mismo y no por una función religiosa o política. A medida que crecía la apreciación del arte, comenzaron a surgir comparaciones y competencias entre las diferentes escuelas de arte. Y con la competencia, surgió arte nuevo, más y mejor. “La gente hablaba de cuadros y estatuas mientras hablaba de poemas y obras de teatro; elogiaron su belleza o criticaron su forma y estilo”.

Las obras se volvieron muy hermosas y elegantes, pero no eran tan reales. Eran la concepción de los artistas de la belleza a través del conocimiento. Eran demasiado perfectos para ser reales. No se mostraba ninguna expresión en estos rostros, ningún sentimiento definido; no se hicieron retratos. Así fue hasta la aparición de Alejandro Magno, hacia finales del siglo IV. Encargó retratos y las cabezas de las estatuas comenzaron a verse más animadas y vivas, más reales que las bellas creadas antes en obras anteriores. Con la fundación de su imperio (Alejandro Magno), este período se conoce como helenístico, este arte se dispersó en casi la mitad del mundo. Los efectos fuertes y dramáticos eran más valiosos ahora que la armonía y el refinamiento que solían prevalecer en el arte. El arte helenístico deseaba impresionar con sus obras salvajes, apasionadas y vigorosas. Este arte incluso atraía y estaba destinado a un público que disfrutaba de la horrorosidad de las luchas de gladiadores. La conexión del arte con la magia y la religión se perdió por completo. El arte ya se estaba haciendo por sí mismo y las cosas que se estaban representando en las obras de la época son: dramatismo, movimiento, expresión y tensión. Los artesanos de la época habían dicho “desafío aceptado”.

Una de las mayores innovaciones del período helenístico es la presentación por primera vez de “bodegones bonitos”, por ejemplo, “dos limones con un vaso de agua y dibujos de animales”. Este fue también el nacimiento de los paisajes. Aún así, las obras de esta época no eran como espejos del mundo real (naturaleza). Estas obras de arte llevan siempre un sello de la mente y el intelecto de su creador, de la persona que las realizó.

Capítulo 5: Conquistadores del mundo

Más o menos el arte permaneció igual mientras los romanos conquistaban el mundo y fundaban su propio imperio. Aunque su logro más destacado fue el de la ingeniería civil. Una de las diferencias que comenzaron a surgir entre el arte helenístico y el período romano es cómo los emperadores permitieron que los artistas los hicieran "más realistas y menos halagüeños de lo que habían intentado los griegos". Cuando vemos los bustos de los emperadores no vemos la belleza helenística, vemos rasgos más realistas sin parecer triviales.

Hablando de características realistas, los romanos incentivaron el arte que mostraba su poder como imperio. En su arte se cuentan historias sobre victorias y cómo dominaron a sus oponentes. Esta interpretación precisa de los detalles cambió el carácter del arte. Cuando el cristianismo entró en escena, una combinación de contar historias lo más simple y clara posible se unió al arte helenístico pagano. La gente comenzó a idealizar e imaginar cómo se ve Dios, Cristo se muestra con una belleza juvenil y las historias de la Biblia se representan de la manera más simple y clara posible. Además, el tiempo para elaborar esculturas a la manera helenística se hizo escaso en medio de guerras, revueltas e invasiones. Surgieron más "métodos rudimentarios" como el marcado de las características de rostros y cuerpos. El arte volvía a ser religioso.

Capítulo 6: Una separación de caminos

Dos ramas de la Iglesia surgieron justo después de que Constantino estableciera oficialmente la Iglesia como poder en el Estado. Empezaron a surgir construcciones nuevas y más grandes, siempre como pinturas en lugar de esculturas. La razón por la que esto es así es que se pensó que las esculturas son una blasfemia por no tener ídolos, pero las pinturas enseñarían a los analfabetos lo que la escritura hace por las personas que saben leer. Las dos ramas son la Iglesia Romana Latina y la Iglesia Bizantina. Ambos eran católicos, pero el último abrazaba abiertamente la imaginería de Dios y los santos. Argumentaron que si Dios se reveló a nuestros ojos mortales cuando Jesús vino, ¿por qué no deberíamos presentarle imágenes visibles que lo muestren en su naturaleza humana? ¿Por qué no podemos adorar a los Santos a través oa través de sus imágenes? Según ellos, esto hace que las historias de la Biblia sean más reales y son la única forma de mostrar el misterioso mundo sobrenatural.

Capítulo 7: Mirando hacia el Este

Sabemos poco sobre los inicios del arte chino, pero por su trabajo sabemos que eran muy hábiles en el arte de fundir el bronce durante el primer milenio antes de Cristo. Su arte se inspiró de muchas maneras en el valor que esta cultura le daba a la meditación y al budismo. Una cosa realmente genial que hizo el artista fue salir a caminar y conectarse tanto con la naturaleza que luego pudieron irse a casa y dibujar lo que vieron durante su tiempo de conexión con la naturaleza. Los artistas chinos solían escribir su visión mientras su inspiración aún estaba fresca y todo su trabajo se realizó después de experimentar recientemente la naturaleza, no valoran los detalles en las imágenes sino el entusiasmo de la persona que experimentó y pintó el trabajo. Les gustaba mucho usar formas curvas en sus obras a diferencia de los egipcios que eran más aficionados a las formas angulares rígidas.

Capítulo 8: Arte occidental en el crisol

Después de la era cristiana en Europa y después del colapso del Imperio Romano, la Edad Media no tuvo un estilo claro sino que tuvo un conflicto de una gran cantidad de estilos diferentes. El arte de principios de la Edad Media muestra el choque de los “bárbaros” con las tradiciones griega y romana. Los vikingos pintaron muchos monstruos para asustar a los malos espíritus. En Inglaterra e Irlanda, las imágenes que se muestran en la Biblia se transformaron para adaptarse al gusto de los recién llegados a Europa. El arte occidental se volvió similar al arte de Bizancio.

Capítulo 9: La Iglesia Militante

Las iglesias normandas y románicas eran mucho más geniales que las antiguas basílicas. Dieron la impresión de una fuerza masiva con pocas decoraciones y pocas ventanas. Los normandos descubrieron que el techo de sus edificios podía ser menos pesado utilizando materiales más ligeros entre las x cruzadas. Toda la decoración de la iglesia de este tiempo estaba destinada a enseñar algo, el mensaje de Dios.

Capítulo 10: La Iglesia Triunfante

El estilo gótico surge en el norte de Francia en la segunda mitad del siglo XII a partir del principio de construcción que inventaron los normados pero llevado a otro nivel. El principio técnico de abovedar una iglesia con vigas transversales les mostró que los pilares delgados eran suficientes para soportar las vigas (nervaduras) de la bóveda entre las que se sujetaban las otras piedras como relleno. Estos eran los únicos requisitos para que un edificio no se derrumbara. En lugar de poner pesados muros de piedra podrían usar ventanas. Los arcos de medio punto para el estilo románico fueron reinventados por los arquitectos góticos que para hacer sus edificios más altos utilizaron un arco apuntado, dos segmentos juntos en lugar de una curva. Las esculturas de las iglesias góticas parecen como si tuvieran vida, bajo los cuerpos drapeados vemos la forma y composición de cuerpos reales, a diferencia de las obras escultóricas de la Edad Media que no daban forma a los cuerpos bajo sus ropas, esta nueva El principio fue más o menos lo que hicieron los griegos en el siglo V, pero las obras religiosas góticas tenían un significado más amplio. A los artistas no solo les interesaba lo que representaban sino también cómo lo representaban. Un dato curioso del siglo XIII es que el artista no utilizó la mímesis para crear sus obras, es decir, los artistas no copiaron sus obras de la naturaleza, no dibujaron estudios del cuerpo humano, ya copiaron sus proporciones de modelos. hecho. Incluso si conocían los principios de la proporción, no eran importantes para los artistas medievales. Se necesitaron casi 100 años para que el estilo gótico se exportara desde Francia a otras partes de Europa. Los italianos tenían su Pisano y su Giotto que devolvieron la profundidad a pinturas que antes eran planas. Otra cosa en la que Giotto fue pionero fue el reconocimiento de los grandes artistas y no solo del gran arte. Desde su época admiramos a los Artistas y no sólo a sus obras.

Capítulo 11: Cortesanos y burgueses

El siglo XIV fue un estilo gótico menos religioso. Más exaltación de los sentimientos se muestra en el arte, especialmente el amor y la ternura con detalles agradecidos y delicados. El Estilo Internacional es un período que comienza a finales del siglo XIV donde los artistas y las ideas comenzaron a viajar de una ciudad a otra, fue una especie de globalización y de compartir. Los Artistas del Estilo Internacional observaron y se deleitaron con las cosas bellas. Estudiaron la naturaleza para poder retratarla. Los cuadernos de bocetos son algo que la gente usaba para este propósito.

El arte medieval llegó a su fin y comenzó el Renacimiento. De repente, el arte vuelve a ser más griego.